Ilfaut savoir vivre au jour le jour et compter sur les soirées pour vivre de sa musique. Réaliser un album est à mon sens beaucoup plus compliqué. Car cet exercice permet d’approcher d’autre aspect de la scène, toucher un autre public. Rien n’est facile." Tu es parti en 2006 en Jamaïque. Qu’est ce que tu es allé faire là-bas ? Listedes citations de Jacques Brel classées par thématique. La meilleure citation de Jacques Brel préférée des internautes. Retrouvez toutes les phrases célèbres de Jacques Brel parmi une sélection de + de 100 000 citations célèbres provenant d'ouvrages, d'interviews ou de discours. Lisez le TOP 10 des citations de Jacques Brel pour mieux comprendre sa vie, ses actes et sa Onest Jamaïcain Si le cœur vous en dit Y a trop longtemps déjà Que je traîne ma vie Tout autour de la planète Je n'sais plus très bien De quel pays je viens Peu importe qu'on soit De New-York ou Paris Quand on est musicien On est Américain Si on vit aujourd'hui Mais je n'ai pas besoin De la Californie Quand je voyage dans ma tête Pourle novice en musique jamaïcaine, The harder they come est la porte qui donne accès de manière synthétique au quotidien rythmé de ces jeunots qui se débattaient dans le marasme des quartiers pauvres de Kingston, et ce, bien avant l’avènement du reggae. L’histoire est aussi banale qu’une récolte de canne à sucre aux Antilles. Aprèsle départ du chanteur, c’est John Holt qui est désigné leader du groupe. L’aventure avec The Paragons va durer un peu plus de 5 ans. John Holt y interprétera notamment les deux titres les plus célèbres du groupe que sont « The Tide Is High » qui fut repris par Blondie puis Atomic Kitten, ainsi que les morceaux « Man Next Door » et « Wear you to the ball ». Cegrand artiste était également le producteur – entre autres – de Bob Marley. L’artiste jamaïcain et producteur de reggae Lee ‘Scratch’ Perry est décédé à l’âge de 85 ans, rapporte dimanche le quotidien britannique The Guardian. D’après la presse jamaïcaine, le musicien est décédé dans un hôpital du nord du pays. . Cet article s’intéresse à l’évolution de pratiques linguistiques rivales dans les musiques populaires jamaïcaines, des années 1950 à nos jours. Deux langues coexistent et rivalisent en effet en Jamaïque l’anglais, héritage linguistique de l’époque coloniale, et langue officielle de l’État jamaïcain postcolonial, dispute sa place dans les paroles des chansons avec la langue jamaïcaine le créole jamaïcain, ou Patois. Ce dernier est la langue maternelle de la vaste majorité de la population, et constitue de facto la langue nationale. Cet article analyse la façon dont cet affrontement se déroule, et le type de langue qui en vient à être associé avec les différents genres musicaux jamaïcains. Son analyse culmine avec l’examen du rôle que la langue jamaïcaine a fini par jouer, par l’intermédiaire de la musique, dans le défi le plus important que l’État jamaïcain a dû affronter depuis l’indépendance la confrontation militaire qui se déroula à Kingston Ouest/Tivoli Gardens en mai 2010 pour l’arrestation et l’extradition de Christopher Dudus » / postcolonialismeacculturation / créolisation / hybridationéchantillonnage / sampling / Djingidentité individuelle / collectivecontestation / transgression / révoltecitoyenneté / identité nationalelangueoralitéhégémonie / domination / exploitationcontre-culture / résistanceEnglishJamaica A State of Language, Music and Crisis of Nation‪The paper examines the evolution of language use in popular Jamaican music over six decades, between the two coexisting and simultaneously competing languages of Jamaica. English, a colonial linguistic inheritance, the official language of the post-colonial Jamaican state, competes for a place in music lyrics with the Jamaican Language Jamaican Creole, Patwa. This is the native language of the mass of the population and the de facto national language. The paper discusses how this battle plays out in terms of which language varieties are predominantly associated with which Jamaican popular music genres. It culminates in examining the role which the Jamaican Language came to play, via its use in music, in the most significant challenge to the existence of the Jamaican state since independence, the military confrontation in West Kingston/Tivoli Gardens events of May 2010, around the arrest and extradition of Christopher “Dudus” Coke.‪imperialism / postcolonialismsampling / Djingacculturation / creolization / hybridizationidentity individual / collectivecitizenship / national identitylanguageoralityhegemony / domination / exploitationcounterculture / resistancecontestation / transgression / revolt Hubert Devonish Hubert Devonish est un linguiste caribéen qui fut professeur de linguistique à l’University of the West Indies depuis près de quarante ans. Ayant pris sa retraite en 2016, il continue à défendre les droits de la communauté des personnes parlant les langues créoles des Caraïbes, en tant que coordinateur de la Jamaican Language Unit à l’UWI. Il a fait de nombreuses recherches et publié de nombreux ouvrages en linguistique, couvrant l’ensemble des champs de la discipline, de la phonologie et à la syntaxe, via la sociolinguistique et l’aménagement linguistique, sans oublier le rôle de la langue dans les musiques caribéennes. Son ouvrage le plus connu est Language and Liberation Creole Language Politics in the Caribbean Arawak Press, 2007. Byron Jones Byron Jones a étudié la linguistique à à l’University of the West Indies ; sa thèse porte sur les usages de la langue dans les musiques populaires jamaïcaines. Il s’intéresse également à l’évolution et à la variation des langues, à la linguistique sur corpus, à l’argot, à la syntaxe et à la sémantique anglais, ainsi qu’aux musiques et cultures populaires et à la traduction biblique. Il a créé et conçu le Corpus of Jamaican Popular Music COPJAM Le texte intégral de cet article est diffusé sur un autre portail Qui dit reggae pense culte rasta et non-violence. Mais cette musique, née en Jamaïque dans les années 1960, va bien au-delà de ces clichés. Fruit d’un vaste métissage, la plus populaire des musiques jamaïcaines continue d’étendre son influence de par le monde. Zoom sur ce style dans ce qui suit. Histoire du reggae Basé sur le mento, une musique traditionnelle jamaïcaine ; le ska et le rocksteady, le reggae s’est imposé et a laissé ses marques. À la fin des années 1960, il apparaît en Jamaïque. Ce rythme a pour racine les musiques traditionnelles métissées. Il a également été influencé par le Rythm’n blues, le Jazz et le Soul music, qui étaient autrefois très en vogue sur l’île. Actuellement, beaucoup de styles de musique s’inspirent du reggae dans le monde. Il devient une musique universelle, dont le principal ambassadeur est Bob Marley. Étymologiquement parlant, le mot reggae est né en Jamaïque en 1968, mais pourrait être également né du mot anglais jamaïcain streggae », qui désigne une personne mal ou trop peu habillée. Reggae, musique jamaïcaine Musique du ghetto, liée à la culture rasta c’est-à-dire éloge de la vie naturelle de la marijuana, de l’homme noir et de la culture noire issue d’Éthiopie, le reggae franchit les frontières jamaïquaines en 1968. Autrefois, les paysans Jamaïcains jouaient le reggae après leur dure journée de travail. Cette musique leur permettait d’oublier un peu leur quotidien. De nombreux artistes influencés par la musique noire américaine émergent parmi eux, Peter Tosh, Jimmy Cliff, et The Skatalites. Ils vont rapidement trouver un son qui leur est propre et le reggae devint célèbre en Jamaïque. Bob Marley, ambassadeur de reggae Si le reggae a fait le tour du monde, c’est grâce à Bob Marley qui a été et demeure son principal ambassadeur bien au-delà des frontières de la Jamaïque. Même après avoir connu un succès fulgurant, Bob Marley continua à prôner la philosophie rasta dans ses chansons. Pourtant, avant de devenir un super star, Bob Marley s’est essayé à de nombreux genres musicaux, ska, soul et rock steady. Tout au long de sa vie, Bob Marley s’est inspiré de la symbolique rastafari pour construire sa propre personnalité et véhiculer un message d’amour et de paix. Depuis sa disparition en 1981, le reggae s’est progressivement émancipé de la culture jamaïquaine. Cependant, Marley reste le catalyseur de ce mouvement jamaïquain. Grâce à lui, le reggae traversa les océans pour se propager dans le monde entier. Alpha Boys School le jazz en pleine instruction coloniale 1 Avant l’indépendance, des musiciens de musique folklorique, de mento et de jazz impressionnèrent le ... 1De toutes ses expressions culturelles et artistiques, la musique est probablement ce que la Jamaïque a offert au monde de plus vivace. Cette situation remonte à l’époque des plantations, de l’esclavage et du colonialisme, où la musique jouait un rôle de premier plan dans la reconstruction et la perpétuation d’une identité chez les Jamaïcains originaires d’Afrique1. 2 Les ensembles Fife and Drums », apparus dans les armées européennes modernes, réunissent fifres e ... 3 Entre les années 1930 et les années 1970, de nombreux cuivres reconnus à l’international sont passé ... Parmi les institutions qui témoignent du passé colonial de la Jamaïque, on retrouve l’Alpha Cottage School, ouverte en 1880 par Justina Ripoll Sœur Mary Claver issue de l’ordre catholique des Sœurs de la Miséricorde. Cette institution avait été conçue comme une école technique pour les orphelins, les enfants abandonnés ou les gamins des rues. En 1893, un orchestre de Fife and Drums2 fut créé, marquant ainsi le début de l’intérêt porté à la musique au sein de cette école. En 1908, un don d’instruments provenant de l’évêché catholique de Jamaïque permit à l’instruction musicale devenue légendaire de l’Alpha School de s’ancrer et de se développer. Les années qui suivirent, l’école se distingua en devenant le lieu de formation de nombreux musiciens aguerris, en particulier pour les instruments à vent. On peut d’ailleurs estimer que neuf sur dix des plus grands musiciens jamaïcains ayant existé entre la fin du xixe siècle et les années 1970 sont passés par l’Alpha Boys School3. 4 Comme l’explique le saxophoniste Tony Greene Sœur Igniatius disait par exemple à un garçon “mon ... 2Pendant plus de soixante ans, une sœur en particulier, Sœur Mary Iggy » Ignatius 1921-2003, affectueusement surnommée la mère de la musique jamaïcaine », a tendrement encouragé et guidé les garçons passés par l’institution, dont la grande majorité provenait de familles éclatées, de familles paysannes, pauvres, désœuvrées ou dans le meilleur des cas, de foyers ouvriers. L’histoire veut que Sœur Iggy ait elle-même eu une influence directe sur l’émergence des musiciens les plus talentueux de la Jamaïque, en parvenant grâce à son oreille musicale à les orienter vers l’instrument qui leur correspondait le mieux4. On attribue à la Sœur Ignatius la découverte de nombreux grands instrumentistes parmi les garçons les plus doués de l’école. Elle a cultivé chez eux des compétences et des attitudes qui allaient propulser certains élèves de cette noble institution de Kingston dans le monde entier. 3L’acquisition des compétences et des attitudes nécessaires commençait par la participation à des concerts lors d’évènements locaux et nationaux, ou, à l’occasion, dans des maisons de la classe aisée. D’après Sparrow Martin 2007, chef d’orchestre et ancien élève de l’Alpha School, en plus de se produire dans les maisons somptueuses des blancs ou des métis fortunés, l’orchestre de l’école endossait également des fonctions officielles à la King’s House, la résidence du Gouverneur général. On nous apprenait toutes sortes de morceaux pour les différents évènements. À l’occasion, lorsque des dignitaires ou des monarques étrangers visitaient l’île, on jouait des morceaux pour danser, pour dîner, et même pour l’entrée des officiels dans la pièce. Dans ces moments, on jouait des chansons comme Happy Wonderer », The Morin », et Colonial Boogie ». Rico Rodriguez, le célèbre tromboniste rastafarien confirme 2005 Les airs folkloriques jamaïcains et caribéens, la musique classique européenne, les airs populaires américains et britanniques étaient encouragés. En revanche, le ragtime, le blues et le jazz étaient mal vus. Mais plus tard, Sœur Ignatius a autorisé certains des meilleurs musiciens comme Donald Drummond à se produire avec des groupes comme celui d’Eric Deans. Les années de formation clubs jazz et musiciens 4Si le jazz en Jamaïque n’a jamais réussi à conquérir un large public, il a toujours réuni un noyau fidèle de spectateurs. Au milieu des années 1920, le Gleaner, quotidien le plus important de Jamaïque, commença à utiliser le mot jazz dans ses pages, dans des publicités pour des fêtes dansantes, des concerts et pour les sorties des derniers disques de jazz. Ces annonces publiques tiraient profit d’un intérêt croissant pour cette musique américaine en plein essor. Toutefois, comme dans son pays d’origine, le jazz possédait également ses détracteurs sur l’île, plus particulièrement mais pas uniquement au sein de l’élite, qui ne reconnaissait de valeur qu’à la musique classique. Le hot jazz, comme on l’appelait alors souvent, mélangeait des éléments venus du ragtime, des rythmes d’Afrique de l’Ouest, des marches de fanfares, des spirituals, des work songs et des quadrilles français. Certains aspects de cette musique émergente étaient déjà connus de la plupart des Jamaïcains. Les spirituals étaient très courants, et le ragtime faisait partie du répertoire des pianistes depuis le début du siècle. Pour la plupart des musiciens, leurs connaissances des cuivres leur venaient essentiellement de la fanfare de l’Armée du Salut, ou des sections de cuivres des orchestres du West India Regiment ou de l’Alpha Cottage. 5 Situé à proximité du port, à l’est de Kingston, le Bournemouth Bath and Club était réservé à l’élit ... 5Deux orchestres de bal importants de l’époque incorporèrent le jazz à leur répertoire les Ramblers et les Pep Entertainment Players. Ces deux sextets, composés de musiciens blancs, étaient appréciés de la classe supérieure de la ville, le très sélect Bournemouth Club d’East Kingston jouant un rôle fondamental dans leur succès5. Parmi les autres orchestres de l’époque, on retrouve les Deluxe Syncopators ainsi que les Hot Strutters. Cyril Harris dirigeait ce dernier groupe. Ce pianiste chevronné n’hésitait pas à se rendre à New York à l’occasion pour se tenir au courant des dernières tendances émanant de ce berceau du jazz. Mais s’il a introduit les courants de jazz les plus récents au sein du public, Cyril Harris s’est également chargé d’enseigner aux musiciens différents aspects de l’interprétation de l’authentique jazz moderne. 6 Le Constant Spring Hotel, aujourd’hui devenu le Lycée de l’Immaculée Conception à destination des ... 6Les Hot Strutters se produisaient régulièrement au Murcott Lodge, au centre de Kingston, mais aussi au Conversorium et au Lucas Sports Club, situés dans le quartier de Rollington Town. Les Syncopators étaient dirigés par Adrian Duncan, un pianiste de formation classique qui fut l’un des premiers colporteurs du jazz, son premier groupe ayant été formé dès 1922. Les Syncopators rassemblaient un personnel mixte, composé de musiciens nègres » et mulâtres ». Ils se produisaient souvent au très chic Constant Spring Hotel, au nord de St Andrew, mais aussi, parmi d’autres lieux de concerts sélects, au Conversorium6. L’intérêt croissant suscité par le jazz a conduit à la formation d’un nombre d’orchestres de danse plus importants dans les années 1930. L’une des figures centrales de la scène jazz locale était Albert Bertie » King, qui forma ses célèbres Rhythm Aces en 1931, et domina la scène de la danse et du jazz à Kingston pendant les 5 années suivantes. Parmi les autres orchestres connus à émerger à l’époque, on trouve, entre autres, les Red Devils de Redver Cooke, John Weston et le Blue Rhythm, les formations de Steve Dick, de Milton McPherson ou encore les Rhythm Raiders de Dan Williams. 7À la fin des années 1930, les orchestres de danse locaux jouaient du swing et une nouvelle forme, plus dansante, de jazz américain, qui devint la marque de fabrique des fêtes et des bals locaux jusque dans les années 1940. Les formations swing de l’île s’inspiraient complètement de leurs équivalents américains, interprétant les mêmes arrangements écrits. Les orchestres américains qui exerçaient la plus grande influence sur les formations locales étaient ceux dirigés par Tommy Dorsey, Glen Miller, Count Basie et Duke Ellington. 8Au début des années 1940, les deux orchestres qui portent l’étendard du swing sur l’île sont ceux de Milton McPherson et de Redver Cooke, tous deux formés au début des années 1930. L’orchestre swing dirigé par McPherson était considéré par beaucoup comme le meilleur orchestre à avoir jamais existé sur l’île, rassemblant la crème des musiciens locaux. Ses prouesses lui valurent d’être affublé du surnom de King of Swing ». Il se produisait dans tous les lieux importants, les clubs comme celui de Bournemouth, le Slipper Silver ou le Springfield, ainsi qu’au Carib Theatre. McPherson est également à l’origine d’un all star show » intitulé Fashions in Music » qui s’est tenu au Ward Theatre en 1943. Ce concert très attendu présentait les derniers développements du jazz des big bands. Cooke, qui était souvent appelé le King of Bounce », jouissait également d’un grand succès, plus particulièrement parmi les masses. Il dirigeait son Red Devil’s Orchestra sur toutes les scènes majeures de l’île. 9Les compétitions entre groupes, dont l’origine remonte aux années 1920, sont un autre facteur ayant contribué à stimuler l’intérêt du public pour le jazz et le swing. En 1926, le Gleaner montre le Palace Orchestra, orchestre résident du Palace Theater, dans une compétition amicale avec le Hot Tamale, orchestre venu de Panama. En 1935 et 1936, les Rhythm Aces de Bertie King remportèrent les championnats des orchestres de danse. En 1939, Steve Dick, pianiste de jazz et chef d’orchestre réputé, domina le trompettiste Doc Bramwell et ses Springfield Specials en finale d’un tournoi à élimination directe organisé au Palace Theatre. Grâce à cette victoire, l’orchestre de Dick sera souvent désigné comme les Jamaica’s Kings of Jazz » et lui, comme le Swing King ». Ces confrontations se poursuivirent dans les années 1940, Redver Cooke et Eric Deans remportant le titre à quelques occasions. Les jam-sessions jouaient également un rôle d’importance, permettant de maintenir les musiciens en forme, et leur donnant à entendre ce que jouaient leurs collègues. La fièvre du swing qui fit rage dans les années 1940 marqua également l’arrivée d’une nouvelle génération de musiciens. Eric Deans et ses Liberators, Delroy Stephens et ses Commandos, les Lennox Syncopators de Rupert Miller, George Moxey et Roy White, entre autres, s’installèrent dans le paysage dynamique des orchestres de danse swing de Kingston. Toutefois, à la fin des années 1940, même s’il était encore joué, le swing connut un déclin. Le jazz avait atteint une nouvelle phase de son évolution le bebop avait débarqué en Jamaïque. 10Le saxophoniste alto Roy Coburn et son Blue Flames Orchestra, ainsi que le trompettiste Jack Brown avec son orchestre étaient deux des musiciens qui introduisirent formellement le bebop dans le répertoire de leur groupe. D’autres musiciens, comme le trompettiste Con Lewis ou le saxophoniste Marcus Brown au ténor, incorporèrent des aspects du jeu bebop dans leurs diverses formations. En 1948, le trompettiste Sonny Bradswhaw et ses Beboppers embrassèrent cette nouvelle tendance avec entrain. L’enthousiasme de Bradshaw et de ses acolytes touchait non seulement aux aspects musicaux du bebop, mais aussi au style vestimentaire et au langage qui lui étaient associés. Les Beboppers amenaient ce style de jazz dans des clubs comme le Wickie Wackie Club de Bull Bay, le Success Club sur Wildman Street, mais aussi dans des concerts qui se tenaient dans des salles de spectacle à succès. 11Les visites de groupes swing et jazz étrangers, comme celle du Hot Tamale en 1926, avaient permis d’améliorer les connaissances du public en matière de jazz et étaient accueillies avec une certaine exaltation. Les récits indiquent que c’est la visite de deux orchestres panaméens en 1937 qui accrocha tout particulièrement le public. Il s’agissait de Gussie Trym and his Swing Aces, un orchestre formé de onze musiciens arrivé au mois de mai, ainsi que de l’orchestre de neuf musiciens dirigé par Ray Cox, débarqué en août. Présentés comme les champions des orchestres de danse de Panama, Trym et ses acolytes s’appuyaient sur de solides connaissances en jazz et en swing, et ils impressionnèrent les musiciens locaux. Le public se déplaça en nombre pour Gussie Trym, au Silver Slipper Club, au Bournemouth Club, au Murott Lodge, ainsi que dans d’autres hauts lieux de la vie nocturne. Son orchestre s’y produisit en compagnie de figures locales du swing, comme les Red Devils de Cooke ou Bob White et ses Garden Harmonizers. La tournée de trente jours de Ray Cox lui fit visiter différents lieux de concerts de la ville, mais c’est sa participation à la compétition de l’International Jazz Orchestra, au Ward Theatre, qui lui valut de laisser un souvenir impérissable aux musiciens de jazz locaux. Cette compétition de trois orchestres vit Ray Cox affronter Bob White et son orchestre, ainsi que Milton McPherson et ses Royal Jamaicans. D’après les comptes rendus de l’époque, la victoire de Cox fut jugée aisée. McPherson termina second. Ces visites permirent d’accroître la popularité locale du jazz. 12Parmi les meilleurs musiciens de Jamaïque, beaucoup se sont formés dans ces orchestres des années 1940, affinant leurs aptitudes et se construisant une notoriété formidable sur les scènes locales. Pour certains musiciens, la démonstration de leurs talents au sein de ces formations leur a permis de se faire un nom des deux côtés de l’Atlantique. Le saxophoniste Thomas McCook commença sa carrière chez Eric Deans au début des années 1940, avec pour camarade le trompettiste Raymond Harper. À la même époque, le saxophoniste ténor Wilton Gaynair fut un membre essentiel des Royal Jamaicans de Redver Cooke pendant quelques années. Le guitariste de jazz Ernest Ranglin fit ses débuts de musicien professionnel avec l’orchestre de Val Bennett à la fin des années 1940. En 1948, Roland Alphonso, qui jouait alors du saxophone alto, joua quelque temps dans l’orchestre de Eric Deans. De son côté, Dizzy Reece, trompettiste de jazz reconnu, commença à se faire remarquer dans l’orchestre de Jack Brown. 13Bien que l’éclat du swing ternît dans les années 1950, la musique de big band était toujours privilégiée pour les orchestres de danse, même si elle était mal vue de certains musiciens, qui souhaitaient se plonger avec plus de vigueur dans le jazz moderne. À la fin des années 1950, une troisième génération de musiciens émergea et se mélangea avec quelques membres de la précédente génération. C’est ainsi que se firent les premiers pas d’une musique qui allait plus tard devenir un style de musique dansante jamaïcain, le ska. Ce style de musique allait lui-même influencer plus tard des styles alternatifs de la culture populaire internationale. Cette génération de musiciens s’inscrivit parmi les nombreux musiciens de jazz jamaïcains qui réussirent dans les musiques populaires à l’international. Parmi ceux-ci, on peut citer les trompettistes Johnny Dizzy » Moore, Oswald Baba » Brooks et Raymond Harper, le célèbre tromboniste Donald Don » Drummond, les saxophonistes Roland Alphonso et Thomas McCook, ainsi que le tenace pianiste de jazz, alors adolescent, Monty Alexander. Tous se trouvaient à cheval entre le jazz et la musique pop. Le jazz jamaïcain dans le monde le SS Empire Windrush 14En tant que sujets coloniaux du Royaume-Uni, les hommes de Jamaïque et des Caraïbes servirent au combat au cours de la Première et de la Seconde Guerre mondiale. Au lendemain de la Seconde Guerre mondiale, la Grande-Bretagne en pleine phase de reconstruction lança un appel désespéré à une forte main-d’œuvre pour rebâtir le pays. Cette politique devint plus évidente pour les Caribéens lorsque le SS Empire Windrush, navire militaire britannique, se mit à les attirer avec des trajets bon marché pour l’Angleterre. De nombreux Jamaïcains au chômage sautèrent sur l’occasion, voyant le Windrush comme le vaisseau qui allait les conduire vers des possibilités d’emploi infinies. Ils laissèrent leurs familles, que beaucoup retrouvèrent plus tard au Royaume-Uni. Cet exode entraîna le départ de certains des meilleurs musiciens de l’île qui profitèrent des démarches simplifiées d’immigration vers l’Angleterre pour s’y installer de façon permanente, certains choisissant de s’établir dans d’autres pays d’Europe comme la France et l’Allemagne. 15Toutefois, certains musiciens avaient déjà commencé à émigrer dès les années 1930. Les plus remarquables d’entre eux étaient les trompettistes Leslie Thompson et Leslie Jiver » Hutchinson, le pianiste York DeSouza, le multi-instrumentiste Bertie King, ainsi que l’aspirant ingénieur Coleridge Goode, qui devint un bassiste de premier plan. Entre les deux guerres, les musiciens noirs britanniques se firent remarquer dans les big bands, y compris au sein d’au moins deux orchestres entièrement composés de noirs, le Guyanais Ken Snakehips » Johnson et son West Indian Dance Band 1938 ainsi que le Jamaïcain Leslie Jiver » Hutchinson avec son Coloured Orchestra 1944. Ces deux orchestres étaient composés quasi exclusivement de Caribéens et c’est dans ce vivier que les musiciens noirs américains en tournée venaient piocher pour étoffer leurs orchestres. 7 Benny Carter 1945, Farewell Blues/I’m Coming Virginia 1945, [78 RPM] France, Swing 201. Avec Be ... 8 En 1934 et 1935, Leslie Thompson effectua une tournée en Europe avec Louis Armstrong. En 1936 et 19 ... 9 Le pianiste jamaïcain York DeSouza apparaît sur plus d’une douzaine d’enregistrements réalisés entr ... 16Certains musiciens, comme les saxophonistes Benny Carter et Coleman Hawkins firent appel aux services de Bertie King au saxophone alto et à la clarinette, et à York DeSouza pour des concerts et des enregistrements lors de leurs séjours européens dans les années 19307. Le trompettiste Leslie Thompson, compatriote de Bertie King, fut employé par Louis Armstrong8, tandis que le trompettiste Leslie Jiver » Hutchinson, le pianiste York DeSouza9 et le bassiste Coleridge Goode trouvèrent les faveurs de musiciens américains comme Ray Elligton et Mary Lou Williams et de musiciens français, comme le couple star du Hot Club de France, Django Reinhardt et Stéphane Grapelli, qui appréciaient le swing des musiciens caribéens Reinhardt, 2017. Ces Jamaïcains ouvrirent la voie pour les autres musiciens dont l’exode s’intensifia avec la fin de la Seconde Guerre mondiale en 1945. Les cuivres, de l’Alpha jusqu’au Royaume-Uni 17Parmi ceux qui firent alors leurs valises se trouve notamment le trompettiste de jazz Alphonso Dizzy » Reece, qui fut l’une des figures les plus importantes à émigrer en 1948. Il acquit une expérience de la scène considérable en France, en Belgique, aux Pays-Bas et en Allemagne avant de revenir s’installer en Grande-Bretagne en 1950. Dizzy Reece devint l’un des plus grands trompettistes du Royaume-Uni, se produisant et enregistrant avec des musiciens américains en tournée. Reece fit sortir plusieurs albums de son cru avant de tenter sa chance aux États-Unis en 1959, où il enregistra plusieurs albums pour l’illustre label Blue Note. Reece a participé à des sessions d’enregistrements avec des géants du jazz, comme Art Blakey et ses Jazz Messengers, mais aussi Hank Mobley ou le saxophone ténor britannique Edward Brian Tubby » Hayes. Il s’est produit sur les principales scènes de New York, comme le Village Vanguard, le Birdland, et chez Eddie Condon. Avant son départ de Londres, Reece se distingua en présentant à ses homologues l’un des penseurs de la musique les plus avant-gardistes de l’époque. Il s’agissait de son compatriote Joe Harriott, dont les idées modernistes, les compositions cubistes et les performances interdisciplinaires réunissant poètes et danseurs modernes suscitèrent la controverse. 18Joe Harriott, qui jouait du saxophone alto, s’était formé à Kingston, où il avait fourbi ses armes dans les orchestres de Roy Coburn, d’Ossie DaCosta et dans le All Kings Combo, avant d’aller en Europe avec DaCosta et de s’installer en Grande-Bretagne en 1951. Harriott avait d’abord été un disciple de Charlie Parker, avant de proposer sa propre approche du jazz qui fit de lui le meneur incontesté de l’avant-garde britannique. Ses méthodes lui valurent à la fois d’être critiqué et porté aux nues en tant que père du free jazz européen, inspirateur de toute une génération. On retrouvait des Caribéens dans son groupe de travail, comme Ellsworth Shake » Keene, trompettiste originaire de l’île de Saint-Vincent et le contrebassiste jamaïcain Coleridge Goode. 19Le saxophoniste ténor Wilton Gaynair fut l’un des autres géants du jazz issus de l’Alpha School. Tandis qu’il était encore élève à l’Alpha, Gaynair fut autorisé à jouer dans le big band de Carlyle Henriques. À sa sortie de l’école, il gagna sa place au sein de la formation de Redver Cooke, puis des orchestres de Roy Coburn et d’Ozzie Wilkins. Inspiré par Coleman Hawkins, Eddie Lockjaw » Davis et Sonny Rollins, Gaynair développa son propre son puissant. Entre la fin des années 1940 et son émigration au milieu des années 1950, Gaynair fut considéré comme la vedette des saxophones ténors de l’île, statut qui lui valut une invitation à jouer au sein de l’orchestre des Jamaica All-star de 1948. Il fit son arrivée à Londres en 1956, où il se fit remarquer, avant de s’installer en Allemagne, où il devint l’un des musiciens de jazz les plus exceptionnels du pays. Blue Bogey », son disque de 1958, est incontestablement l’un des trésors de l’histoire des enregistrements du jazz. Comme l’affirment ses camarades musiciens Tommy McCook, Janet Enwright, Sonny Bradshaw et Roland Alphonso, l’influence de Gaynair sur les autres musiciens de l’époque fut immense. 20Le principal concurrent de Gaynair au sommet de l’art du saxophone ténor fut probablement un autre ancien élève de l’Alpha School, Harold Little G » McNair. Ce dernier illustre encore une fois l’appréciation profonde, la compréhension et l’ancrage corporel que rencontra le langage jazz chez les musiciens jamaïcains. Il commença le saxophone ténor en 1945, et en l’espace de cinq ans, il fit déjà partie d’orchestres swing comme celui de Whylie Lopez ou les Honeydrippers, dirigés par Baba Motta. McNair participa à d’autres orchestres dirigés par Baba Motta à la fin des années 1940 et au début des années 1950, s’assurant ainsi un important succès local. 21Les talents exceptionnels d’instrumentiste de McNair ne s’arrêtaient pas au saxophone ténor. Il était tout aussi doué au saxophone alto, à la clarinette, mais surtout à la flûte. Pour compléter le tout, il faisait un bon chanteur. Ses prouesses de multi-instrumentiste attirèrent l’attention à l’international, lui valant de travailler à Nassau, dans les Bahamas, à Londres, en Europe et à New York. Au début des années 1960, il collabora et enregistra à Londres avec certains des meilleurs musiciens de jazz de Grande-Bretagne, parmi lesquels Tony Crombie, Phil Seaman, Stan Tracey et Terry Shannon. À Londres, il se produisit et enregistra également avec le grand saxophoniste américain Zoot Simms, au très réputé jazz club de Ronnie Scott. En Europe, il fit une tournée avec Quincy Jones et Kenny Clarke. De retour au Royaume-Uni, il enregistra ce que l’on considère comme son meilleur disque, Affectionate Fink McNair, 1965, sur lequel on retrouve David Izenzon, le contrebassiste d’Ornette Coleman, le batteur Charles Moffett et l’Anglais Alan Branscombe au piano. McNair eut également du succès auprès des musiciens rock et pop qui émergeaient à cette époque, tournant et enregistrant avec Donovan ou avec l’Airforce de Ginger Baker. Les enregistrements de McNair, comme son premier Up in the Air », Harold McNair », The Fence » ou Flute and Nut », sont parmi les plus recherchés et les plus révérés du jazz, même si c’est son Affectionate Fink » qui remporte tous les suffrages. Ernest Ranglin 22Le guitariste Ernest Ranglin est considéré, aussi bien par les musiciens que les critiques, comme l’un des plus grands maîtres de l’instrument dans le jazz de ces 50 dernières années. Son talent est apparu dès l’enfance, en observant ses oncles jouer de la guitare et en essayant de reproduire leurs gestes. Il écoutait avec une grande attention la musique à la radio et ce fut lorsqu’il entendit des disques du remarquable guitariste Charlie Christian que son destin de musicien fut scellé. Encore adolescent, il rejoignit l’orchestre de Val Bennett en 1948 où il se forma en jouant dans des stations balnéaires et des hôtels. Le fameux chef d’orchestre Eric Deans recruta Ranglin dans sa formation quelques années plus tard, l’emmenant en tournée en Haïti et aux Bahamas. Toutes ces expériences permirent au guitariste d’interagir avec des collègues musiciens, d’acquérir des compétences de compositeur et d’arrangeur ainsi que d’élargir sa perception et ses conceptions de la musique. 23En 1958, Ranglin se produisait avec sa propre formation lorsque Chris Blackwell repéra son talent hors pair de musicien et lui offrit sa première opportunité d’enregistrer. Ce fut une première pour les deux jeunes hommes, car, le disque, réalisé avec le pianiste bermudien Lance Hayward, permit de lancer Island, le label fondé par Blackwell, et de révéler Ranglin en tant qu’artiste prometteur, scellant une amitié indéfectible entre les deux. Outre le jazz, Ranglin proposait des réinterprétations de morceaux pop. Il démontrait par ces travaux audacieux mais accessibles qu’il savait faire preuve d’autant d’habileté dans ce domaine que dans ses interprétations plus jazz. Au début des années 1960, Ranglin était devenu un guitariste de choix pour les producteurs, qui insistaient pour le faire participer à des sessions d’enregistrements de diverses musiques populaires, dont le mento, le rhythm and blues et le ska. 24En plus du succès commercial rencontré en Angleterre par son arrangement du hit international My Boy Lollipop » pour la chanteuse Millie Small 1964 – production également signée Blackwell – Ranglin se produisit chez Ronnie Scott, illustre jazz club londonien, devant un public enthousiaste. Cela le conduisit à prolonger son séjour et à se produire avec les formations de Ronnie Scott, ce qui le fit connaître d’un public plus large et lui valut d’être désigné meilleur guitariste dans un sondage de 1964 du Melody Maker portant sur le jazz. Le bouche à oreille qui se transmit par les autres musiciens de jazz, parmi lesquels Les Paul, Sonny Stitt, Randy Weston, Sonny Rollins et Ronnie Scott, permit à Ranglin de poser les bases d’une carrière internationale, au-delà de la Jamaïque et de la Grande-Bretagne, qui le vit jouer en Europe, au Japon et en Amérique. Bénéficiant du soutien de ses pairs et d’une carrière longue de plus de soixante ans, Ranglin est devenu un musicien distingué, se produisant dans les clubs, les festivals et les concerts dans le monde entier. On reconnaît en lui un musicien dont la vaste culture lui a permis de fondre son style sans difficulté dans toutes les situations musicales rencontrées. Doté d’une imagination vive et riche, d’une inventivité mélodique fascinante et d’un lyrisme astucieux, Ernest Ranglin, sa technique jazz et son individualité grandiose suscitent et susciteront encore l’admiration du public pendant de longues années. Monty Alexander 25Le pianiste Monty Alexander s’est construit un créneau qui lui est propre. Ce musicien de jazz est resté visible et sollicité depuis son installation aux États-Unis, il y a plus de 50 ans. De tous les jazzmen jamaïcains, c’est celui chez qui transparaît le plus l’influence de la musique caribéenne, son sautillement, et sa pulsation. Cela ne signifie pas pour autant qu’il ne sache pas jouer bebop ou qu’il ne puisse pas interpréter le blues tourmenté selon la tradition du vocabulaire jazz. Mais en concert, ses inflexions rythmiques particulières trahissent son très fort ancrage jamaïcain. Né à Kingston en 1944, Monty Alexander découvrit l’attrait du piano à ses quatre ans. Vers ses six ans, ses parents l’envoyèrent, comme tant d’autres enfants, suivre des cours de musique. À l’âge d’entrer au lycée, Monty Alexander commençait déjà à enregistrer avec des musiciens plus âgés, dont le contrebassiste Cluett Johnson, le guitariste Ernest Ranglin et le saxophoniste Roland Alphonso au Federal Studio. 26Il a récemment expliqué à son public de Kingston que c’est lorsque ses parents l’ont amené à un concert de Louis Amstrong que sa vie a été bouleversée à jamais, forgeant sa vocation de jazzman. Les visites de Nat Cole, Oscar Peterson et d’autres sommités du jazz sur l’île ne firent que renforcer cette envie chez lui. Mais la musique populaire coulait encore dans ses veines lorsqu’il monta son premier groupe, Monty and the Cyclones, se produisant dans les clubs et obtenant même l’opportunité d’enregistrer. En 1961, après le déménagement de sa famille pour Miami, en Floride, Monty Alexander trouva du travail comme pianiste dans cette ville. Au passage, il en profita pour se faire repérer par Frank Sinatra et son ami Jilly Rizzo, un propriétaire de clubs qui l’invita à venir jouer à New York. Ce projet fut contrecarré par la prolongation d’un contrat à Las Vegas, mais une nouvelle rencontre accidentelle avec Sinatra et Rizzo à Las Vegas lui permit d’obtenir son billet d’avion pour New York, où Monty Alexander s’est installé et vit depuis lors. 27Le style de Monty Alexander s’est formé sous l’influence d’Errol Garner, Oscar Peterson, Ahmad Jamal, Wynton Kelly, pianiste d’origine jamaïcaine très demandé. L’intérêt suscité par son jeu chez les musiciens de jazz comme Ray Brown, Harry Sweets » Edison, Milt Jackson et d’autres a permis de lancer la carrière de Monty Alexander. 10 En plus d’avoir enregistré plus d’une centaine de disques avec les plus grands artistes du jazz du ... Chanteur accompli dans la tradition des crooners, Monty Alexander a, en plus des chansons populaires, rendu hommage à Nat King Cole. Il a également fait retour à ses racines en montant un groupe de reggae et en enregistrant avec les musiciens de reggae Sly Dunbar et Robbie Shakespeare. Il a formé le Harlem Kingston Express qui amalgame ses formations jazz et reggae. L’incorporation du mélodica à sa musique lui a permis d’embrasser la tradition dub jamaïcaine, bouclant ainsi une trajectoire faite d’allers-retours10. 28Parlant de sa conception musicale avec le critique Tom Ineck, Monty Alexander explique Ineck, 2016 Il s’agit avant tout d’une saveur. C’est une réalité tellement contagieuse pour les gens ordinaires. Par là, je veux dire les gens qui ne sont pas forcément sophistiqués, qui ne connaissent pas sur le bout des doigts les tenants et les aboutissants de l’histoire du jazz telle qu’elle nous a été transmise par les maîtres. Dans l’ensemble, ça vient d’une autre source. Il s’agit avant tout de danser et de se sentir bien. Les gens aiment sentir le rythme et lorsqu’on l’approche différemment, ça produit un mariage heureux pour l’auditeur, et encore plus pour moi quand je le joue. Parce que, même si c’est différent des concerts avec des musiciens purement jazz, j’y trouve mon compte. Pour moi, c’est toute une culture, c’est ma jeunesse en Jamaïque et mon lien avec tout ce qui a pu sortir de Jamaïque. Monty Alexander a joué et enregistré avec les plus grands noms du jazz, dont Clark Terry, Ernestine Anderson, Benny Golson, Ray Brown. Douglas Ewart 29On connaît le Jamaïcain Douglas Ewart en tant que multi-instrumentiste ayant à sa disposition une grande variété d’instruments, comme musicien ayant fait de la diversité culturelle la plus étendue sa demeure. D’après certains, l’œuvre créative si diverse de Douglas Ewart pourrait être prise pour la production d’une culture en entier plutôt que la création d’un seul homme ». Le critique de jazz Glenn Siegel 2015 décrit Ewart comme un improvisateur doué, capable de donner naissance à des sons et des histoires en temps réel, sans programme préalable ». Mais le talent de ce maître jamaïcain ne s’arrête pas à la musique. Comme Siegel l’explique Ewart est historien et il est également l’ancien président de la très influente AACM de Chicago Association for the Advancement of Creative Musicians. Il est également sculpteur d’envergure internationale, luthier, professeur, poète et musicien. Il est l’incarnation du mot d’ordre multidisciplinaire de l’AACM ». 11 Les grounations sont des réunions et cérémonies rituelles dans le mouvement rastafari, dans lesquel ... 30Né à Kingston en 1946, Douglas Ewart vécut son adolescence parmi la communauté rastafarienne de Count Ossie, dans les collines de Wareika, où il participa aux grounations11 ». Il découvrit la musique des Skatalites, en particulier celle de Don Drummond, et se mit également à créer des objets d’art de toutes sortes. Il émigra aux États-Unis en 1963 et rejoint l’AACM, où il étudia le saxophone et la théorie musicale avec Roscoe Mitchell et Joseph Jarman. Inspiré par la force de ces deux maîtres des instruments à vent ainsi que par les conceptions créatives du pianiste Muhal Richard Abrams, il fit sienne l’idée de l’AACM selon laquelle la musique est une question de vie ou de mort ». Lorsqu’il était encore Jamaïque, Ewart avait accordé autant d’intérêt à la musique qu’aux mouvements sociaux. Les grounations auxquelles il assista dans le camp de Count Ossie lui inculquèrent des aspects de la culture musicale et philosophique des Rastafariens qui allaient plus tard influencer des membres de l’AACM, plus particulièrement parmi la seconde génération. 31Étant donnée l’étendue des concepts multidisciplinaires de l’AACM, il n’est pas surprenant que certains de ses membres se soient nourris de caractéristiques liées aux Rastafariens de Jamaïque. Parmi ces caractéristiques, on retrouve l’adoption du style capillaire des dreadlocks » ainsi que la musique nyahbinghi, qui furent introduits dans la culture populaire par les musiciens de reggae en tournée. Des membres de la deuxième génération de l’AACM figurent sur le disque de Douglas Ewart Velvet Drum Meditations », enregistré avec son Nyahbinghi Drum Choir. Cette œuvre est dédicacée à celui qui fut son mentor dans sa jeunesse Oswald Count Ossie » Williams et son groupe Mystic Revelation of Rastafari. George Lewis 2009 277, tromboniste, improvisateur féru de technologie, ami proche et collaborateur d’Ewart, évoquant la contribution à l’AACM de ce dernier écrit que Douglas Ewart est assurément une figure charnière de cette deuxième vague ». 32Douglas Ewart est un improvisateur acclamé par la critique, dont la carrière longue de plus d’un demi-siècle l’a vu se produire dans tous les contextes musicaux imaginables le ska, le Nyahbinghi rastafarien, le Dixieland, le jazz moderne, le bebop, la musique expérimentale, la musique d’avant-garde. Il a joué avec des danseurs, des poètes, des peintres ainsi que des gens de la rue. Il a expérimenté de nombreuses formes pour le cinéma, pour le théâtre. Il s’est produit en solo et avec de grands orchestres, avec des enfants. Il est difficile, voire impossible d’imaginer une forme que ce penseur et ce multi-instrumentiste n’ait pas explorée au nom de l’improvisation jazz. Coda 33Les musiciens de jazz jamaïcains, à domicile comme à l’étranger, ont contribué à la définition de cette musique mondiale avec autant de conviction, d’énergie créative et d’influence que les autres. Des grands maîtres du jazz, comme Bertie King, Leslie Jiver » Hutchinson, Coleridge Goode, Wilton Bra » Gaynair, Harold Little G. » McNair, Dizzy Reece, Sonny Gray, Douglas Ewart, Kenny Terroade, Ernest Ranglin, Monty Alexander et particulièrement Joe Harriott se sont distingués parmi les innovateurs les plus remarquables du jazz. Parmi ces musiciens, certains ont enregistré et se sont produits avec des Américains comme Louis Armstrong, le Modern Jazz Quartet, Mary Lou Williams, Benny Carter, Coleman Hawkins, Quincy Jones, Eric Dolphy, Randy Weston et Miles Davis. Dès 1926, le King of the Zulu » de Louis Armstrong fait appel à la présence des jamaïcains dans le jazz. Alors qu’Armstrong proteste contre l’interruption de son solo par un gêneur, on entend l’importun répliquer avec son accent jamaïcain Armstrong, 1926 Je viens de Jamaïque, et je ne veux pas interrompre la fête, mais un de mes compatriotes me dit que c’est la folie ce qu’il se passe ici. Madame, vous pouvez jouer un morceau et me dire que ça balance, mais moi, je vais prendre un cuivre et je vais vous montrer un vrai morceau de jazz de chez moi. 12 West Indian Blues » contient d’ailleurs des similarités frappantes avec le Englerston Blues » d ... 34Le compositeur et pianiste de jazz Thomas Fats » Wallers, contemporain d’Armstrong, rendit également hommage à la contribution des Jamaïcains au jazz en enregistrant avec ses Jamaica Jammers le morceau West Indian Blues » en 1924, dédicacé à Marcus Garvey Waller, 199212. De même, des jazzmen modernes comme Lester Bowie ou le talentueux guitariste de session Eric Gayle s’installèrent en Jamaïque au cours des années 1970, s’abreuvant de rythmes reggae. Ils furent tous deux parmi les premiers à introduire ces rythmes dans le jazz contemporain ou moderne aux États-Unis. À la même époque, des trombonistes comme Steve Turre, Delfeayo Marsalis et George Lewis, chantèrent les louanges et rendirent hommage à leur homologue jamaïcain Don Drummond. 35De même que le jazz a influencé la musique populaire jamaïcaine, les cadences et les inflexions de la musique jamaïcaine et caribéenne ont, à de nombreuses reprises, coloré le langage et rythme du jazz. La personnalité et la syntaxe des indénombrables maîtres respectés du jazz d’origine jamaïcaine ou caribéenne ont contribué à modeler l’esthétique jazz. Comme Duke Ellington le fait remarquer dans un livre 1990 108-109 Toute une lignée de musiciens caribéens a débarqué et a contribué à ce qu’on appelle la scène jazz. » Évoquant plus spécifiquement le talent hors pair de son tromboniste caribéen Tricky » Sam Nanton, Ellington poursuit En fait, il jouait une forme très personnelle issue de son patrimoine caribéen. Lorsqu’un type débarque ici des Caraïbes et qu’on lui demande de jouer du jazz, ce qu’il joue correspond à ce qu’il pense qu’est le jazz, ou à ce qui découle de sa propre interprétation de l’idiome. Tricky » et ses compatriotes étaient profondément ancrés dans l’héritage caribéen du mouvement de Marcus Garvey… Comme il m’est arrivé de le dire, le bop est le prolongement de Marcus Garvey dans le jazz. ibid. 36Les Jamaïcains, depuis leur expérience de la colonisation et des plantations britanniques, ont utilisé la musique, y compris le jazz, pour affirmer leur liberté, leur indépendance et leurs valeurs artistiques. Ce faisant, ils ont enrichi l’humanité, lui apportant un optimisme et une musique ingénieuse qui, partis de Jamaïque, ont essaimé dans le monde entier. La solution à ce puzzle est constituéè de 4 lettres et commence par la lettre A Les solutions ✅ pour MUSICIEN JAMAICAIN de mots fléchés et mots croisés. Découvrez les bonnes réponses, synonymes et autres types d'aide pour résoudre chaque puzzle Voici Les Solutions de Mots Croisés pour "MUSICIEN JAMAICAIN" 0 0 0 0 0 0 0 0 Partagez cette question et demandez de l'aide à vos amis! Recommander une réponse ? Connaissez-vous la réponse? profiter de l'occasion pour donner votre contribution! Similaires Qui ne connaît pas Bob Marley, une icône de la musique reggae ? Lucia De Solda, rédactrice à Synergies, vous parle de cet artiste génial dont c’est le 40ème anniversaire de sa mort, ce-mois-ci. Bob Marley, auteur-compositeur-interprète, chanteur et musicien, est né le 6 février 1945, à Nine Mile, en Jamaïque. Son nom complet de naissance est Robert Nesta Marley. Il a été surnommé The King of reggae » le roi du reggae. Son pseudonyme était Tuff Gong. Histoire familiale de Bob MarleySa mère, Cedella Marley Booker née en 1926, morte en 2008 est une chanteuse et écrivaine jamaïcaine. Son père, Norval Sinclair Marley fils d’un colon blanc ; mort en 1955 est élevé par sa mère en Jamaïque et voyage beaucoup pour affaires. Ses parents se marient alors que Cedella a 18 ans et Norval, 50. Bob Marley sera élevé presque exclusivement par sa mère son père n’ayant jamais vécu avec eux jusqu’à ses 5 ans environ. Son géniteur le prend avec lui dans la capitale pour une courte période, mais le confie à une dame âgée. L’apprenant Cedella le reprend et ils vont vivre à Kingston quartier de taudis, seul lieu où elle pouvait se permettre de vivre avec son fils. À Trenchtown, elle se met en couple une première fois avec Taddeus Livingston. Cet homme, père de Bunny Livingston soit Bunny Wailer formera le trio Wailers avec Bob et un autre membre, en 1963. Par la suite, elle a une autre union avec Edward Booker et va vivre dans le Delaware. De ces deux unions, elle aura d’abord une fille Pearl et ensuite 2 garçons Richard et Antony. De son côté, le géniteur du chanteur aura une fille. Bob Marley aura donc 2 frères et 2 sœurs. Pour résumer, on peut dire que de son enfance jusqu’à l’adolescence et même jeune adulte, il n’aura pas une vie facile et stable. Ses débutsSon style musical appartient au reggae, ska et rocksteady. Il chantait, jouait de la guitare et des percussions. Il commence sa carrière en 1962. Alors qu’il vit à Trenchtown avec sa mère, il rencontre Bunny Livingston, puis Peter Mackintosh qui deviendront les premiers membres de la première formation musicale de Bob Marley. Ensemble, ils interprètent des tubes de rhythm and blues entendus sur les radios de Miami. En 1963, c’est la création du groupe The Wailing Wailers » les gémisseurs gémissants avec Junior Braithwaite, Peter Tosh et Bunny Wailer qui vont jouer des morceaux de ska, gospel, rhythm and blues et soul dont Simmer Down ». En 1964, le titre Simmer Down » devient le premier vrai succès local en Jamaïque. D’autres morceaux suivront. Après son mariage en 1966, le chanteur - à ses débuts - part rejoindre sa mère remariée, dans le Delaware, aux États-Unis. Bob Marley continue à écrire des chansons tout en travaillant dans un hôtel. Son intérêt croissant pour le mouvement rastafari cf. plus bas, il autoproduit – après l’été de la même année - le titre Bend Down Low » dans le nouveau style rocksteady et crée, en parallèle, le label indépendant Wail’n Soul’m », avec Peter Tosh et Bunny Livingston. En 1967, ses disques n’ayant pas un succès lui permettant de subvenir à ses besoins ainsi qu’à ceux de sa famille et pour se ressourcer spirituellement, il retourne dans son village natal en 1967. Il continue à enregistrer des disques dans son label, sous le nom de Bob Marley & The Wailers. Rencontre avec Johnny Nash, chanteur américain 1968En 1968, Bob et Rita Marley ainsi que Peter Tosh rencontrent Johnny Nash. Celui-ci décide de lancer le style rocksteady aux États-Unis. Bob Marley va lui laisser des compositions inédites dont Stir It Up ». Cette chanson va devenir un succès pour le chanteur américain, tandis que l’album du groupe de Bob Marley ne sort pas il le sera finalement qu’en 1997. C’est un peu le temps de vaches maigres ». Son essorEn 1973, sous le nom du groupe des Wailers, Bob Marley et ses accompagnants sortent deux albums, à Londres. Après une tournée en Angleterre, différents membres quittent le team et le chanteur jamaïcain se retrouve en solo. Il s’adjoint néanmoins le trio vocal féminin The I Three », composé de Rita Marley son épouse, Marcia Griffiths et Judy Mowatt. The Wailers » représentera dès lors les musiciens basse, batterie, piano, guitare, harmoniciste, percussions et l’interprète. Leur premier album ensemble Natty Dread » est un chef-d’œuvre. Il permettra une reconnaissance mondiale de la musique de Bob Marley et des Wailers. Eric Clapton reprendra I Shot the Sheriff » qui accentuera le phénomène. Entre 1975 et 1976 suivront les albums Live ! » dans lequel se trouve le single No Woman No Cry » et Rastaman Vibration ». En 1977, après une tentative d’assassinat où Bob Marley sort indemne bien que blessé, cf. plus bas, le chanteur s’exile à Londres pour sa sécurité. Cette parenthèse anglaise durera jusqu’à mi 1978. Il retourne avec son groupe, justement cette année-là, en Jamaïque pour le concert intitulé One Love Peace Concert » qui sera un phénoménal succès le 22 avril. À cette occasion, l’icône du mouvement rasta parvient à réunir sur scène les deux ennemis politiques de l’époque. C’est l’ascension de sa carrière. Les tournées s’enchaînent. Toujours en 1978, il fait construire son studio, nommé Tuff Gong surnom qu’il s’est donné. Les albums Babylon by Bus », Kay » et Survival » sortent. Bob Marley & The Wailers vont notamment se produire en Nouvelle-Zélande et dans le continent africain dont en Zimbabwe en 1980, à l’occasion de l’indépendance du pays. Sa maladieSuite à un match de football et une blessure au pied droit, en mai 1977, on diagnostique un mélanome au gros orteil à Bob Marley. Celui-ci est opéré deux mois plus tard, mais que partiellement l’artiste refuse l’amputation qu’on lui conseille, par superstition. Il se croît tiré rétabli. Mais affaire à suivre… La fin de sa carrièreIl ne va pas terminer sa dernière tournée mondiale Uprising Tour » en 1980. Son dernier concert se tiendra le 23 septembre de cette année-là. Bob Marley ne retournera plus en studio et ne se produira plus sur scène. La fin de sa vieEn 1980, lors du jogging à New York, il perd connaissance. Il passe un examen qui lui révèle que son cancer s’est étendu 5 tumeurs… Les professionnels consultés lui prédisent seulement un mois de vie. Le chanteur consulte un autre médecin en Allemagne le très conversé Josef Issels qui ne réussira qu’à prolonger que très brièvement sa vie au prix d’horribles souffrances. Il ne dit rien à son entourage et joue un dernier concert enregistré à Pittsburgh, le 8 octobre. Son décèsBob Marley souhaiter retourner en Jamaïque, mais ne réussira pas à atteindre sa destination finale. Il décède d’un cancer généralisé à Miami, aux États-Unis, le 11 mai 1981. Il est rapatrié en Jamaïque et enterré dans son village natal de Nine Miles. Ses funérailles seront nationales. Ses successeurs et son influenceCertains de ses fils font de la musique Ziggy et Damian, notamment cf. interview de Virginio Bruno. Bob Marley a également influencé des artistes de différents genres. Vie privéeBob Marley aura 13 enfants reconnus, de 8 femmes différentes, dont 4 avec la seule femme qu’il va épouser union entre 1966 et 1981, Rita Marley. Certains de ses enfants par exemple Damian et Ziggy sont dans la musique. Faits marquantsIl échappe à une tentative d’assassinat le 3 décembre 1976 à Kingston, peu avant le grand concert en plein air Smile Jamaica ». Seront touchés lors de cette fusillade perpétrée par 6 hommes lui-même, sa femme Rita et le manager Don Taylor. Ils sont touchés les trois, mais évitent la mort miraculeusement surtout l’épouse du chanteur. Une des personnes impliquées dans ce délit est Jim Brown, un proche du parti de droite proaméricain, le JLP. Ce crime serait-il lié à des raisons politiques et raciales ? La question demeure en suspens pour Bob Marley. Celui-ci participera comme prévu au concert Smile Jamaica », à Kingston. Anecdotes Plus de 200 millions de disques vendus à travers le monde Bob Marley devient rasta dès 1966 sous l’influence notamment de Mortimo Planno personnage important du mouvement rastafari Hommage posthume de Bob Marley par la Jamaïque nommé à l’ordre du Mérite jamaïcain Statue grandeur nature érigée en Jamaïque Création d’un musée dédié à Bob Marley dans une maison qui lui avait appartenu 56 Hope road, dans un quartier chic Discographie de son vivant Albums studio The Wailing Wailers, Sortie 1965 Soul Rebels, Sortie 1970 Soul Revolution, Sortie 1971 The Best of the Wailers, Sortie 1971 Catch a Fire, Sortie 1973 Burnin’, Sortie 1973 Natty Dread, Sortie 1974 Rastaman Vibration, Sortie 1976 Exodus, Sortie 1977 Kaya, Sortie 1978 Survival, Sortie 1979 Uprising, Sortie 1980 Mon avisLes chansons de Bob Marley sont intemporelles. Elles sont mélodieuses et pleines de sens. Bob Marley avait des idées pacifistes. Son adhésion » au mouvement rasta l’a rendu encore plus accessible, bienveillant et reconnu. Pour lui rendre hommage et pour les raisons évoquées juste avant, j’ai écrit cet article. Le saviez-vous ? Qu’est-ce que le mouvement rastafari rasta ?Le rastafarisme, aussi appelé mouvement rastafari, est un mouvement philosophique et culturel. Les rastas », nom donné à la plupart de ses membres, vivent dans les îles Caraïbes et plus particulièrement en Jamaïque. OriginesCette dénomination provient de Rastafari Makkonen » nom du Négus d’Éthiopie. C’est dans les années 30 que le mouvement rastafari naît aux États-Unis et en Jamaïque année du couronnement du Négus d’Éthiopie cité plus haut qui prendra le nom d’Hailé Sélassié. Il provient du fait que certains leaders de la cause des Noirs étaient convaincus que la seule vraie » Bible était celle des origines. Ils conseillaient le retour en Afrique, pour les descendants des esclaves originaires d’Afrique. Les rastas considèrent l’empereur d’Éthiopie comme le Messie » de par les écrits bibliques Hailé Sélassié étant, selon la tradition, un descendant du roi Salomon et de la reine de Saba. Cet homme serait celui chargé de les ramener en Afrique, et plus particulièrement en Éthiopie seul pays africain n’ayant jamais été colonisé par les Européens. Bien qu’il n’ait aucun lien avec le mouvement, il a accordé des terres, près d’Addis Abeba. Certains sont venus s’y installer. Particularités des rastasIls croient en un Dieu qu’ils appellent Jah » abréviation pour Jéhovah ». Ils fument du cannabis qui, selon eux, est une manière de méditer pour se rapprocher de Dieu. Généralement, ils sont proches de la nature, ne boivent pas d’alcool et ne consomment pas de viande. Ils se laissent pousser les cheveux et portent des Dreadlocks ». Les couleurs les représentant sont celles du drapeau éthiopien vert, jaune et rouge. La musiqueLe reggae est associé à la culture et au mouvement des rastas. Certains artistes dont Bob Marley, les Wailers, Jimmy Cliff et Alpha Blondy ont permis de faire connaître ce mouvement dans les années 1970/1980. Bob Marley est le plus connu de cette liste. Plus récemment, le rappeur Snoop Dogg a affirmé s’est converti 2012. Il a sorti un album de reggae. Interview de Viginio Bruno, collaborateur à Foyer-Handicap et fan de Bob Marley Comment et quand as-tu connu Bob Marley ?Je suis devenu fan quand j’étais à l’école, à l’âge de 15 ans. J’avais un copain qui amenait son lecteur de radiocassette. Il m’a fait découvrir Bob Marley. On l’écoutait même dans les bus et ça m’a fait tilt » ! Qu’est-ce qui te plaît dans sa musique ?Même si je ne comprends pas l’anglais, je sais que ses chansons m’inspirent l’amour. Que penses-tu de la vie qu’il a eue ?Il a eu une vie très difficile, surtout avec son père. Pourquoi est-il unique ?Il est vraiment LA grande légende du reggae. C’est avec lui que j’ai connu ce style de musique. Par la suite, j’ai découvert d’autres chanteurs de reggae. Même si Bob Marley est mort depuis longtemps, de nombreuses personnes de tous pays reprennent encore ses chansons. Quelle est ta chanson préférée ?Je les aime presque toutes. J’adore Stir It Up » qui est vraiment excellente. Que penses-tu de ses successeurs ?Bob Marley a eu de nombreux enfants dont Ziggy, Vincent, Damian, Julian… Je ne les connais pas tous. Mais la plupart font de la musique. J’ai déjà vu Ziggy Marley en concert. J’avais vraiment l’impression de voir son père. Ils se ressemblent comme deux gouttes d’eau. Pour en savoir plus Site internet officiel Chaîne YouTube Documentaire sur la tentative d’assassinat de Bob Marley sur Netflix ReMastered Who Shot the Sheriff 2018, 57 minutes, âge conseillé 16 ans et plus En 1976, la légende du reggae Bob Marley survit à une tentative d’assassinat, alors que des heurts politiques déchirent la Jamaïque. Mais qui a commandité la fusillade ? » Série documentaire sur YouTube pour les 75 ans de Bob Marley, 2020LEGACY, bande-annonce

quand on est musicien on est jamaicain