Leursrevendications s’inscrivent dans la lignée du travail de Phil Chan et Georgina Pazcoguin, soliste au New York City Ballet, qui œuvrent de concert depuis 2015 pour éliminer ces caricatures racistes à travers leur organisation Final Bow for Yellowface. À ce jour, plus de 50 compagnies de danse internationales se sont ralliées à cette cause. Ladanseuse et pédagogue Violette Verdy, interprète historique de George Balanchine (1904-1983), pendant dix-huit ans, de 1958 à 1976, au New York City Ballet, mais aussi directrice de BenjaminMillepied, qui fut danseur étoile au New York City Ballet, s'est attaqué à une œuvre réputée complexe et nous montre à quel Voicimaintenant plus d’un an que l’ancien danseur étoile du New York City Ballet mûrit Bach Studies. Il l’a, dans un premier temps, chorégraphié avec sa compagnie de Los Angeles. "Pour faire un travail de qualité, j’ai besoin de temps, affirme-t-il. Cest donc une Française de 33 ans, Fidji Simo, qui va désormais chapeauter les développements de l'application Facebook.La décision a été prise par Mark Zuckerberg en personne. Elle CodycrossCirque Groupe 88 Grille 5 Une centrale à flamme est appelée centrale __ Etoile française du New York City Ballet Familier pour désigner un étatsunien Faire disparaître Phrase concise qui résume une vérité, un principe Fendiller un objet Se dit d'un homme pardonnant difficilement Poisson dont les oeufs composent le caviar . Après huit ans d'absence, le New York City Ballet est de retour à Paris. La troupe donne trois semaines de spectacles au Théâtre du Châtelet du 28 juin au 16 juillet, invitée par Les Étés de la Danse. Le NYCB amène dans ses bagages de très nombreux ballets de George Balanchine, aussi une toute nouvelle génération d'Étoiles brillantes. L'occasion de se pencher un peu plus sur cette troupe emblématique de la danse américaine. Le New York City Ballet aux Étés de la Danse Diaporama - Retour sur la tournée du New York City Ballet aux Étés de la Danse Le New York City Ballet a achevé ses trois semaines de représentations au Théâtre du Châtelet, dans le cadre des Étés de la Danse. Sur 20 représentations, la compagnie a proposé cinq programmes différents ainsi qu'un gala, permettant de voir 20 ballets, dont 14 de George Balanchine. Retrouvez en images les meilleurs moments de ces représentations. Voir le diaporama Chronique - Le New York City Ballet aux Étés de la Danse, Wheeldon/Ratmansky/Peck Un programme de la tournée du New York City Ballet aux Étés de la Danse sans un seul ballet de George Balanchine ? Mais oui, c'est possible. La compagnie est en effet venue avec sa soirée Chorégraphes du XXIe siècle. Les trois chorégraphes du programme, Christopher Wheeldon, Alexeï Ratmansky et Justin Peck, se placent dans la ligne de George Balanchine sans en démordre une trentaine de minutes en scène, une belle danse classique avec quelques accents plus modernes, un travail plus ou moins abstrait sur de la musique. Pour les deux derniers cependant, la surprise est bien là. Que ce soit dans Pictures at an Exhibition ou Everywhere We Go, il règne sur scène un parfum tout particulier, une émulation différente. Et un vrai plaisir de la danse. Lire la chronique du spectacle... Chronique - Soirée Balanchine/Tchaïkovski séculière par le New-York City Ballet aux Étés de la danse Quand le petit George Balanchine, alors élève à l'Ecole impériale du ballet de Saint-Pétersbourg, fit sa première apparition sur la scène du Théâtre Mariinsky, ce fut sur la musique de La Belle au bois dormant composée par Tchaïkovski. Avec ce souvenir fatidique, une relation intime indéfectible se tissa entre le chorégraphe d'origine géorgienne et le compositeur controversé. C'est cet imaginaire intime que la soirée Balanchine/Tchaïkovski du New-York City Ballet a proposé de mettre en scène aux Étés de la danse. Mais d'osmose, il n'y en a eu qu'entre la musique et la danse. Du balai, le mysticisme d'Europe orientale. Lire la chronique du spectacle... Chronique - Le New York City Ballet aux Étés de la Danse, Balanchine en noir et blanc Académique, mais pas totalement. Abstraction, mais surtout une ouverture pour l'imaginaire. Le New York City Ballet démarre sa tournée parisienne, trois semaines au Théâtre du Châtelet aux Étés de la Danse, et la première soirée a donné le ton George Balanchine dans toute sa splendeur. La troupe est affûtée, d'une immense précision, une extrême musicalité constante, montrant toute la complexité des chefs-d'oeuvres du maître américain. Une compagnie à l'unisson de son répertoire, qui n'empêche pas de nombreuses personnalités d'émerger du groupe. Le festin balanchinien peut commencer. Lire la chronique du spectacle... Rencontre avec Sara Mearns, Principal flamboyante du New York City Ballet En 2006, Sara Mearns a 19 ans et est encore dans le corps de ballet du New York City Ballet. Peter Martins la choisit néanmoins pour danser dans sa version du Lac des Cygnes. Succès immédiat qui propulse sa carrière et lui faire griller les étapes dans la hiérarchie de la compagnie. Deux ans plus tard, Sara Mearns est nommée Principal. Danseuse lyrique, passionnée, elle est la muse de tous les chorégraphes qui viennent collaborer au NYCB. À Paris, elle danse dans pas moins de sept ballets de George Balanchine, mais aussi dans le Barber Violin Concerto de Peter Martins et dans le sublime Tableau d'une expositiond'Alexeï Ratmansky. Avant de s'envoler pour Paris et entre deux répétitions, Sara Mearns a confié àDanses avec la plume comment elle abordait cette nouvelle tournée parisienne. Lire l'interview... Walpurgisnacht Ballet - Sara Mearns Le New York City Ballet aux Étés de la Danse - Qui voir danser sur scène Cette tournée parisienne du NYCB L'occasion de découvrir une nouvelle génération d'Étoiles brillantes. Quelles sont les "Principals" équivalent d'Étoile incontournables du New York City Ballet ? Dans quel ballet les voir danser ? Présentation des talents de la compagnie et petit point sur les distributions des Étés de la Danse. Découvrir les Étoiles du NYCB... La technique Balanchine - Décryptage en cinq ballets George Balanchine est le fondateur du New York City Ballet. Il implanta le ballet aux États-Unis, en même temps qu'il inventa son propre style, solidaire de certaines spécificités techniques. À tel point que parmi les écoles de ballet, la "méthode Balanchine" occupe aujourd'hui une place à part entière, à côté des écoles d'Agrippina Vaganova, d'Enrico Cecchetti, d'Auguste Bournonville... Le style de George Balanchine a très fortement marqué la formation et la technique des Retour, en quelques ballets issus d'une oeuvre prolifique, sur ses principales particularités techniques, visible dans la programmation du NYCB. Découvrir la technique Balanchine avec cinq ballets en vidéo... Une courte histoire du New York City Ballet Quelle est l'histoire du NYCB, troupe si importante dans le monde de la danse ? Pourquoi George Balanchine est-il si important dans son histoire ? Quelles sont ses forces - et ses faiblesses - aujourd'hui ? Que représente la troupe ? Petit historique du New York City Ballet, emblématique de la danse américaine. Découvrir l'histoire du NYCB... Rebecca Krohn - Sérénade Les Étés de la Danse 2016 - Programme du New York City Ballet Attention, événement ! Le New York City Ballet est l'invité du festival Les Étés de la Danse 2016. La troupe américaine, qui n'était pas venue à Paris depuis 2008, s'installe ainsi au Théâtre du Châtelet de Paris du 28 juin au 16 juillet, pour trois semaines de spectacles. Au programme beaucoup de George Balanchine, le maître de la danse classique américaine et fondateur du NYCB, et quelques oeuvres de la nouvelle génération de chorégraphes néo-classiques. Une belle occasion de redécouvrir le répertoire américain, l'ADN du New York City Ballet. Découvrir tout le programme des Étés de la Danse... Le Songe d’une nuit d’été de George Balanchine par le New York City Ballet C’est une tradition pour le New York City Ballet achever sa saison de printemps par une série de représentations du Songe d’une nuit d’été, ballet de George Balanchine. Cette reprise 2016 ne pouvait tomber mieux alors que l’on célèbre cette année le 400ème anniversaire de la mort de William Shakespeare, auteur de la comédie qui a inspiré le livret. George Balanchine a chorégraphié ce ballet en 1962. L’idée était d’en faire un pendant estival de sonCasse-Noisette. Il décida donc d’aller puiser dans d’autres partitions du compositeur allemand pour construire un ballet narratif en 2 actes et 6 tableaux. Le succès fut immédiat et il ne se dément pas aujourd’hui. Lire la chronique du spectacle... Nicolas Blanc, un chorégraphe français au New York City Ballet Nicolas Blanc est le premier chorégraphe français depuis Benjamin Millepied invité à créer une œuvre pour le New York City Ballet. Sa création Mothership, sur une musique du compositeur américain Mason Bates, a été présentée pour la première fois le 4 mai lors du prestigieux Gala de Printemps du NYCB, aux côtés de Christopher Wheeldon, Alexeï Ratmansky et Justin Peck. Rencontre entre deux répétitions avec ce chorégraphe français qui fait carrière aux États-Unis. Lire l'interview de Nicolas Blanc... Symphony in C de George Balanchine The Most Incredible Thing, premier ballet narratif de Justin Peck pour le New York City Ballet Rien ne semble pouvoir freiner l’incroyable énergie de Justin Peck. Désigné en juillet 2014 chorégraphe en résidence du New York City Ballet où il est toujours danseur soliste, il présente cet hiver sa dixième création pour la compagnie The Most Incredible Thing, son tout premier ballet narratif avec 56 dont 11 enfants de la School of American Ballet, l’école de danse du NYCB. Justin Peck a construit son ballet sur le conte de Hans-Christian Andersen The Most Incredible Thing. Il s’est entouré du peintre et sculpteur canadien Marcel Dzama et a commandé une partition au compositeur américain Bryce Dessner. Une affiche de luxe rassemblant trois artistes new-yorkais en vue pour une œuvre qui s’inscrit davantage dans la tradition des ballets russes de Diaghilev. Lire la chronique du spectacle... Nicolas Blanc est le premier chorégraphe français depuis Benjamin Millepied invité à créer une œuvre pour le New York City Ballet. Sa création Mothership, sur une musique du compositeur américain Mason Bates, a été présentée pour la première fois le 4 mai lors du prestigieux Gala de Printemps du NYCB, aux côtés de Christopher Wheeldon, Alexeï Ratmansky et Justin Peck. Rencontre entre deux répétitions avec ce chorégraphe français qui fait carrière aux États-Unis. Nicolas Blanc en répétition pour Mothership avec Mimi Staker et Christopher Grant Comment est arrivée cette proposition de créer une pièce pour le NYCB ? J’avais été invité à l’automne dernier au New York Choregraphic Institute des rencontres créées en 2000 au sein du NYCB destinées à promouvoir de nouveaux chorégraphes et cela s’est très bien passé. Le directeur du NYCB Peter Martins a vu la pièce et l’a beaucoup aimée. Après la deuxième représentation, il m’a proposé de la reprendre pour la compagnie. C’était vraiment une surprise totale, je ne m’y attendais pas. J’avais peu de temps à vrai dire, juste une semaine et demie, donc la pièce Mothership que je reprends est courte, juste 9 minutes et 21 secondes ! C’est comme un petit marathon. Comment avez-vous choisi vos ? Tous les chorégraphes invités par le New York choregraphic Institute sont allés voir une classe et j’ai ainsi sélectionné un groupe. Ce sont des jeunes danseurs et danseuses, il y a même 3 "apprentices" dans la distribution ndlr de très jeunes danseurs et danseuses qui n’ont pas encore formellement intégré la compagnie. Pour eux, c’est aussi un grand pas en avant. Ils sont très verts et ils ont un enthousiasme qui fait plaisir à voir. Nous avions travaillé à l’automne dernier avec ce même groupe et je suis revenu à New York avant la première, pour retravailler certains passages dont je n’étais pas totalement satisfait. Quel type de chorégraphe êtes-vous ? Avez-vous tout écrit avant d’arriver en studio ? Je n’ai pas tous les pas écrits. J’ai peut-être deux phrases qui me permettent de démarrer. Ce qui est écrit, c’est la géographie sur scène. Mothership est une pièce pour quatre couples. Ce que je prévois d’avance, c’est où et comment ils bougent sur scène et les différentes sections de la pièce savoir si c’est un duo, un solo, un pas de trois, un ensemble. Et c’est la musique qui m’indique cela. Si l’on parle du style, évidemment, c’est un registre néo-classique et j’ai beaucoup été marqué par mes expériences avec William Forsythe l’attaque de Forsythe, les déséquilibres, les décalés, les positions extrêmes. Ce qui revient aussi chez moi, c’est la recherche de fluidité. Précisément, le titre de votre pièce Mothership reprend celui de la partition écrite par le musicien Mason Bates qui a écrit cette suite symphonique, dans laquelle il inclut de la musique électro-acoustique. Pourquoi l’avez-vous choisie ? J’avais en tête de trouver une musique qui convienne à une pièce courte. C’était ma cible. Je voulais une musique au tempo rapide parce que c’est la marque de fabrique du New York City Ballet. Action ! Et puis j’avais l’ambition de montrer dans ces neuf minutes ma capacité à chorégraphier une pièce qui soit à la fois rapide et lyrique. L’avantage de cette musique de Mason Bates, c’est que les improvisations qu’il a demandées à ses musiciens ont produit justement un passage plus lyrique qui m’a permis d’inclure le duo que j’avais en tête. Le but était de pouvoir jouer sur ce double registre une chorégraphie lente et rapide… en 9 minutes ! Et puis quand j’ai écouté la pièce, il y a eu comme un appel du pied, c’était pour moi une évidence. Nicolas Blanc avec Alston MacGill et Sebastian Villarini-Velez Que représente pour vous cette invitation au NYCB ? C’est un rêve qui devient réalité. Lorsque j’étais en Europe, j’ai toujours voulu comme danseur me confronter à l’école de George Balanchine et c’est d’ailleurs une des motivations pour mon départ aux États Unis. Cela devait être temporaire et en fait, je suis resté. Et comment s’est opéré votre parcours de danseur ? J’ai commencé chez moi à Montauban avant d’aller suivre l’enseignement de l’Académie de Danse Classique de Monaco. J’ai suivi l’enseignement de l’École de Danse de l’Opéra de Paris avec Claude Bessy après le Prix de Lausanne. Dans ma carrière de danseur, l’étape de Zurich a été décisive Heinz Spoerli l’ancien directeur du ballet de Zurich a eu un impact fort sur ma carrière et sur ma danse. Puis ce fut le San Francisco Ballet où je fus nommé Principal en 2004. J’ai arrêté de danser relativement tôt, en 2009, à 32 ans parce que j’étais blessé et j’ai décidé de partir sur une note haute. Je ne voulais pas envisager des périodes où je danserais suivies de longues pauses à cause des blessures. C’est comme cela que j’ai opéré ma reconversion comme maître de ballet, tout d’abord au Scottish Ballet puis au Joffrey Ballet. Je ne pensais pas vraiment revenir aux États-Unis, mais le directeur du Joffrey Ballet Ashley Wheater m’a fait cette proposition. J’ai donc repris ce poste à Chicago. Aviez-vous projeté cette carrière nomade qui vous a conduit en Allemagne, en Suisse puis aux États-Unis ? Ce sont les rencontres qui ont décidé de ma carrière. Enfant et jeune adolescent, je rêvais de l’Opéra de Paris. Mais quand j’ai voulu postuler, j’étais bien en dessous de la taille minimum exigée. Donc je n’ai même pas essayé. Mais j’ai eu la chance d’intégrer la première division de l’École de Danse après le Prix de Lausanne en 1994. Et c’est quelque chose que je voulais faire car j’ai senti que je regretterais toute ma vie de ne pas avoir essayé. Uns fois que je suis parti de l’Opéra de Paris, je me suis vite rendu compte que l’on pouvait faire carrière ailleurs et danser des rôles très intéressants. J’ai toujours eu besoin et envie d’élargir mon univers artistique. Que retenez-vous de votre carrière au San Francisco Ballet ? Je crois que c’est tout d’abord la diversité et la multitude des rôles que j’ai pu danser du ballet académique aux chorégraphes contemporains en passant bien sûr par George Balanchine. Cela m’a ouvert les yeux et formé mon esprit critique. En tant que danseur européen, je trouvais que le répertoire du San Francisco Ballet était éblouissant. Nicolas Blanc avec Sebastian Villarini-Velez et Alston MacGill Est-ce que vous vous sentiez malgré tout un danseur français ? Oui. Je pense que lorsque l’on vient de France et que l’on arrive aux États Unis, il y a cette liberté dans la danse et cette liberté sur scène qui sont typiquement américaines. Mais je crois que ce qui peut attirer les chorégraphes ici et les directeurs de troupe quand ils engagent des artistes français, c’est la propreté de la danse et une forme d’élégance française. J’ai toujours essayé de garder cela avoir la vivacité américaine, bouger rapidement et en même temps montrer cette école française. Quand est venu ce désir d’être chorégraphe ? J’ai toujours eu cette envie depuis tout petit, mais en étant Principal au San Francisco Ballet, je n’avais pas vraiment le temps ni l’opportunité de chorégraphier. J’ai fait deux pièces pour l’école, mais je ne pouvais pas faire davantage. Ensuite, cette transition comme maître de ballet, cela m’a beaucoup aidé pour la chorégraphie car je me suis retrouvé en face des danseurs et des danseuses cela permet de développer sa propre science des placements sur scène, comment diriger les interprètes, quel vocabulaire utiliser, comment les modeler. Cette fonction de maître de ballet, qui est très différente, m’a beaucoup aidé pour apprendre à transmettre mes idées aux danseurs. Quels sont les chorégraphes qui vous ont influencé ou qui ont été importants pour vous ? Mister B évidemment ! J’ai tellement dansé George Balanchine... Et puis William Forsythe. Christopher Wheeldon est aussi un nom qui me vient spontanément. Ce que j’aime chez lui, c’est l’esthétique et la façon dont il crée toujours une atmosphère, même dans une pièce abstraite. Mats Ek est aussi dans mon panthéon bien que je sois de facture plus classique. Mais j’ai eu la chance de travailler avec Ana Laguna pour Carmen. J'aime bien cet équilibre entre le contemporain et le classique. Je me réjouis par exemple que Thierry Malandain, Kader Belarbi et Charles Jude aient initié ce concours des jeunes chorégraphes néo-classiques en France. Personnellement, j’aime ces deux pôles le classique ou néo-classique et la danse contemporaine et ce concours va peut-être permettre de créer une balance. Mothership de Nicolas Blanc est à voir au New York City Ballet jusqu'au 21 mai au David H. Koch Theater Lincoln Center New York. Elle était l’archétype de la Française, telle que la concevaient naguère les romanciers ou les auteurs de théâtre belle, élégante, bonne, cultivée, spirituelle, pétillante, d’une bienveillance à toute épreuve. Elle a été encore l’une des plus grandes ballerines de son époque, celle dont rêvaient les chorégraphes les plus exigeants. Quoiqu’elle fût née en Bretagne, à Pont L’Abbé, le 1er décembre 1933, puis formée à Paris par de grands artistes, Carlotta Zambelli, Victor Gsovsky ou Madame Roussane, à l’instar d’Yvette Chauviré, de Jean Babilée, de Françoise Adret ou de Maurice Béjart, c’est Balanchine surtout qui bénéficia de son talent. Elle fut danseuse étoile "principal" pour les Américains au New York City Ballet où elle dansa de 1958 à 1976, après une unique saison déjà passée à Manhattan au sein de l’American Ballet. Et de toutes les virtuoses qu’eut Balanchine pour le servir, Violette Verdy fut sans doute la plus brillante, la plus piquante, celle du moins dont le souvenir demeure le plus suite après la publicité Etoile au New York City Ballet Pourquoi le sort voulut-il que cette danseuse si française de tempérament, cette femme au charme et à la gentillesse indicibles qui firent qu’elle était aimée de tout le monde de part et d’autre de l’Atlantique, pourquoi le sort voulut-il qu’elle fit l’essentiel de sa carrière aux Etats-Unis ? Sans doute apportait-elle au Nouveau Monde un raffinement, une élégance native, un chic français dont les Américains allaient être friands. Et surtout une virtuosité, une intelligence du mouvement, un lyrisme maîtrisé, une grande musicalité qui ne pouvaient que séduire George Balanchine et Jerome Robbins. Pour Violette Verdy, le premier créa "Tchaïkovsky Pas de deux" ou "Liebeslieder Walzer" en 1960, le rôle de l’Emeraude dans "Joyaux" en 1967, le ballet "La Source" en 1968 ou "Sonatine" en 1975. Et elle interpréta tout son répertoire. Quant à Robbins, il chorégraphia pour elle trois de ses œuvres emblématiques, "Dances at a Gathering" en 1969, "In the Night" en 1970, "A Beethoven Pas de Deux" en 1973. Dès lors, dans le monde du ballet, et notamment en Europe où on l’appellera dans bien des grandes compagnies pour y enseigner, elle deviendra la plus éclairée des représentantes du style et de l’esprit de Balanchine et de RobbinsLa suite après la publicité Débuts en France Mais c’est bien entendu en France que débute Violette Verdy. A 12 ans seulement, en 1945, avec les Ballets des Champs-Elysées, troupe patronnée par Jean Cocteau, Boris Kochno et Christian Bérard et dont les chorégraphes sont Roland Petit et Janine Charrat. Plus tard, elle crée le rôle de la Jeune Fille dans "Le Loup" de Roland Petit aux côtés du chorégraphe qui figurait le Loup et de Claire Sombert en Bohémienne. C’était le 17 mars 1953 elle a alors 20 ans, au Théâtre de l’Empire. Le livret avait été écrit par Jean Anouilh et Georges Neveux, la musique composée par Henri Dutilleux, les décors et les costumes imaginés par Jean Carzou. Comment rêver à l’époque de plus brillants débuts ? Cependant, dès les années 1954 et 1955, Violette Verdy est alors passée à Londres. Elle est y soliste au London Festival Ballet et l’on pourra déduire de ses confidences, bien plus tard elle qui jamais ne sera capable de dire du mal de qui que ce soit ou d’être le moins du monde négative, qu’elle séloigna de la France pour ne pas avoir à souffrir des intrigues du monde du ballet. Sous le mandat de Rolf Liebermann, après qu’elle a quitté le New York City Ballet et toute auréolée de sa gloire américaine, comme Benjamin Millepied, près de quarante ans plus tard, elle reviendra en France, appelée à la tête du Ballet de l’Opéra de Paris. Elle sera, de 1977 à 1980, la première femme à le diriger. Et fera preuve, au contraire de beaucoup, de bienveillance et d'admiration pour le travail de Carolyn Carlson, alors nommée étoile-chorégraphe au sein de la même maison. Mais comment cette créature si rayonnante, si bienveillante, si attentive à ne blesser personne, malade même à l’idée de désobliger qui que ce soit, pouvait-elle gouverner une troupe là où des dragons ont tant de peine à la diriger ? Trente ans plus tard, Violette Verdy n’en revenait pas d’avoir osé une telle expérience. Elle la poursuivra cependant, mais dans une version plus douce, en co-dirigeant le Ballet de Boston de 1980 à 1983. Une merveilleuse pédagogue La brillante danseuse-étoile qu’elle a été trouve un nouvel épanouissement dans la spiritualité orientale, en Inde, où elle aura longtemps un gourou ». Mais aussi en devenant l’une des plus brillantes, des plus attachantes pédagogues jamais vues dans le monde de la danse classique. Dès 1984, elle est professeur au New York City Ballet, là où elle avait scintillé durant deux décennies. A l’école de l’American Ballet également. Puis, depuis 1996, elle entre dans cet aréopage d’artistes célèbres Janos Starker, Caroll Vaness, Iannis Xenakis, Wolfgang Brendel… qui viennent enseigner à l’Université de l’Indiana, à Bloomington. Dans ce centre prestigieux, si loin pourtant de cette France à laquelle elle demeure infiniment attachée et où vivent ses parentes et bien des amis de toujours, elle mène ses activités pédagogiques au sein d’un univers extrêmement préservé alors qu’elle considère avec effroi combien dans son pays natal bien des choses se dégradent. Elle a sa demeure à l’université, elle y jouit d’une considération générale, une considération qui l’amène de surcroît à se déplacer beaucoup, aux Etats-Unis et en France notamment où elle donne des cours magistraux aux danseurs de l’Opéra de Paris. Les derniers dataient de 2014. C’est à Bloomington que Violette Verdy vient de s’éteindre, ce lundi 8 février 2016. Le vendredi précédent, elle qui continuait à se dépenser constamment, avait été frappée par un accident vasculaire cérébral et hospitalisée d' suite après la publicité Violette and Mr B. C’est un merveilleux documentaire du cinéaste Dominique Delouche, "Violette et Mr B." 2001, qui révèle au grand public cet étonnant professeur qu’est Violette Verdy. Ses cours d’interprétation sont des poèmes. Elle enseigne avec une intelligence, une bonne humeur, un humour extraordinaires, osant, dans une langue infiniment châtiée et imagée, des comparaisons littéraires, artistiques ou musicales inattendues afin de mieux faire comprendre l’intention première d’un mouvement, la qualité d’une attitude, la nature d’un enchaînement de pas, le travail d’acteur encore auquel se doit tout bon danseur. N’ayant jamais un mot blessant quand il y a faute, mais cherchant tout au contraire à faire rebondir son élève en exploitant au mieux ses qualités propres. Elle qui confessait être incapable de se mettre en colère sans que cela la fasse pleurer s’y révèle telle qu’en elle-même. Infiniment attachante, attentive aux autres, tentant de faire passer un message en fonction de la personnalité de ses disciples, pleine d’esprit, inépuisablement inventive et toujours incomparablement bienveillante. Faut-il ajouter que la lumineuse Violette Verdy était universellement aimée et que personne autant qu’elle n’aura joui d’une considération et d’une affection universelles ? Raphaël de Gubernatis Privés de représentations pendant plus d’un an, les danseuses et danseurs du prestigieux New York City Ballet célèbrent leur art et un progressif retour au théâtre à l’occasion d’un gala virtuel filmé par la cinéaste américaine. Un rassérénant pas de deux, à admirer sur YouTube jusqu’au 20 mai. Réservé aux abonnés Publié le 13 mai 2021 à 13h10 Lecture 5 min. Erin Baiano via The New York Times Sofia Coppola ne vient pas du monde de la danse. Est-ce important ? Ses films ont toujours eu une discrète élégance chorégraphique – un rythme onirique dans lequel une pause peut évoquer une note de musique, et un geste du quotidien, une sensation. Elle est attentive aux entre-deux. Même si ses films ne portent pas sur la danse, c’est pourtant précisément ce qu’ils font ils dansent. Son dernier film, pour le gala de printemps virtuel du New York City Ballet, réinsuffle un peu de vie au cœur du David H. Koch Theater [au sein du Lincoln Center de Manhattan] ; ses coursives étroites, ses studios irradiés de lumière, ses coulisses plongées dans la pénombre, ses rangées de sièges vides tapissés de velours et, enfin, son vaste paysage scénique. Chaque séquence est une histoire sans paroles. La caméra qui s’arrête longuement sur l’embrasure d’une porte, montrant des sacs de pointes attendant la reprise ? Sofia Coppola donne à voir la vérité d’un espace sans verser dans le sentimental. Un réveil du ballet L’essentiel du film de vingt-quatre minutes, tourné par le directeur de la photographie Philippe Le Sourd, est en noir et blanc. Quand il passe à la couleur pour la danse finale – celle du magnifique Divertimento n° 15 de George Balanchine [chorégraphe fondateur du New York City Ballet] –, c’est comme si le royaume de La Belle au bois dormant prenait vie après cent ans d’un profond sommeil. La pandémie a mis un coup d’arrêt au spectacle vivant en mars 2020 et, pour les danseurs, ce furent autant de représentations annulées, une perte irremplaçable. Le film de Sofia Coppola, conçu avec le conseiller artistique et chorégraphe en résidence de la compagnie, Justin Peck, signe le retour à la vie du New York City Ballet le film sera disponible sur le site de la compagnie et sur YouTube jusqu’au 20 mai. Le début du film est d’une simplicité de bon aloi, avec un p La suite est réservée aux abonnés... Accédez à tous les contenus abonnés Soutenez une rédaction indépendante Recevez le Réveil Courrier chaque matin Source de l’article The New York Times New YorkAvec 1 600 journalistes, 35 bureaux à l’étranger, 130 prix Pulitzer et quelque 5 millions d’abonnés au total, The New York Times est de loin le premier quotidien du pays, dans lequel on peut lire “all the news that’s fit to print” “toute l’information digne d’être publiée”. C’est le journal de référence des États-Unis, dans la mesure où les télévisions ne considèrent qu’un sujet mérite une couverture nationale que si The New York Times l’a traité. Son édition dominicale 1,1 million d’exemplaires est distribuée dans l’ensemble du pays – on y trouve notamment The New York Times Book Review, un supplément livres qui fait autorité, et l’inégalé New York Times Magazine. La famille Ochs-Sulzberger, qui, en 1896, a pris le contrôle de ce journal créé en 1851, est toujours à la tête du quotidien de centre gauche. Quant à l’édition web, qui revendique plus de 3,7 millions d’abonnés en octobre 2019, elle propose tout ce que l’on peut attendre d’un service en ligne, avec en plus des dizaines de rubriques spécifiques. Les archives regroupent des articles parus depuis 1851, consultables en ligne à partir de 1981. Lire la suite Nos services Publié le 19/11/2009 à 1118 Le danseur et chorégraphe français Benjamin Millepied est devenu en peu de temps l'une des vedettes internationales du ballet classique. Étoile du New York City Ballet, il a déjà chorégraphié deux pièces pour le Ballet de l'Opéra de Paris. Le spectacle qu'il présente à Odyssud les 24 et 25 novembre réunit groupe de danseurs solistes de l'American Ballet Théâtre dans un programme virtuose le Duo Concertant » de Balanchine, où la musique de Stravinski ne fait qu'un avec les pas et les gestes, le brillant Steptext » de Forsythe, qui voit s'affronter quatre danseurs et brise les codes du ballet classique, et, Without », création de Benjamin Millepied en hommage à Jérôme Robbins. Cette dernière pièce est traversée de superbes pas de deux. D'une maîtrise technique de haut vol, l'ensemble du spectacle offre une belle synthèse entre ballet classique et langages contemporains. Odyssud à Blagnac les 24 et 25 novembre à 21 heures Tél. 05 61 71 75 15. Infos Pratiques Date 24 nov. au 25 nov.

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